LA MUSICA
CAMBIA
CAMBIA
CAMBIA
Intro a cura di
Alberto Pioppi
Sociologo del Territorio
Interviste a cura di
Alberto Pioppi e Arianna Migliari
Ricordi la prima volta che hai suonato uno strumento?
Avrai sicuramente sentito un brivido lungo la schiena al primo accordo che finalmente esce nella tonalità giusta. E da lì in poi un fiume in piena di emozioni, di ore dedicate, di aspettative, di gioie e di delusioni.
Ricordi la prima volta che hai scritto le parole di un testo?
Non puoi avere dimenticato la sensazione di compimento nel rileggerle, nel cambiarle, nel provare a musicarle e nel riuscire alla fine a cantarle.
E quanti come te, prima di te e dopo di te.
Persone diverse, per età e per gusto musicale, per propensione al sacrificio
e per predisposizione alle scelte, e scegliere vuole anche dire rinunciare
ad altro. Ma tutte accomunate da un'unica certezza: la musica cambia.
Non puoi più essere la stessa persona se ti accompagni con lei, se le concedi spazio, se la metti in cima alle priorità, se la elevi a destino, se la tatui sul cuore. La musica cambia perché il mondo cambia, esige aggiornamenti e nuove modalità di interpretazione e di espressione.
La musica cambia nel tempo e cambia il tuo tempo.
Questo concetto è stato l'orizzonte che con questo progetto abbiamo voluto esplorare, abbiamo voluto mettere sotto la stessa luce emozionale diverse storie di diversi artisti, diverse conquiste e diverse visioni. Raccontare i vostri vissuti e le vostre sensazioni, accorpandole ed avvolgendole ad un tronco comune che sempre di più si nutre di nuove storie per far nascere foglie di rinnovata verdità, è stato per noi entusiasmante. Ma La musica cambia è un progetto che non ha una fine, può e deve arricchirsi di nuove energie e di nuovi pensieri, perché la musica è infinita così come è infinita l'anima che la attraversa e che la rende unica.
Questo è il motivo per cui vogliamo creare uno spazio virtuale in continua espansione e aggiornamento, in cui portare avanti la nostra ricerca e le risonanze comuni che si attivano leggendo racconti di vita vissuta.
Progressivamente vedrete costruirsi questo longread fatto di testi, audio e immagini, in cui parliamo di musica e al quale chi vuole può aggiungere un pezzo, la sua storia, e intrecciarla con l’ordito comune.
LE INTERVISTE
Ápeiron
Irene Poziello voce Fabian Arduini basso Davide Davoli chitarra Gian Maria Guerra batteria
Gli Ápeiron sono un gruppo rock emergente di Novellara. Nati nell'agosto 2014, si occupano per lo più della composizione e dell'esecuzione di brani originali. Il loro primo singolo si intitola Tears.
Allora ragazzi, diteci: chi siete?
Siamo quattro persone, due delle quali si conoscevano dal 2014, e poi pian piano abbiamo messo su il bassista che poi ci ha portato la nostra cantante, nel 2016. Facciamo musica e fin dall’inizio abbiamo deciso di scrivere i pezzi che suoniamo. All’inizio era un gran flusso di coscienza, uno stream of consciousness alla Joyce: tutto fluiva per mezzo della musica e delle parole (30 minuti a pezzo era lo standard). Questo ci ha formato tantissimo nel nostro modo di suonare ed è anche stato un grande allenamento per il modo in cui, per suonare quei pezzi, dovevamo coordinarci e stare sul palco. Oggi le cose sono un po’ cambiate: il sound è rimasto (l’influenza psichedelica e la voglia di sperimentare) ma in una forma più circoscritta e definita; abbiamo tolto le improvvisazioni che non finivano più e strutture non ben determinate dei pezzi.
Io sono entrata nel gruppo nel 2016 e ho trovato un gruppo con un sound già ben definito. Ho solo dovuto mettere le parole e la voce perché per il resto c’era già tutto. È stato molto confortevole.
Anche per noi il suo arrivo è stato davvero molto confortevole; la cosa incredibile è che è come se ci fosse sempre stata: è arrivata, il primo giorno, e ha iniziato a cantare subito una melodia che stava in piedi dall’inizio alla fine e a scrivere parole sulla musica.
Siamo quasi tutti di Novellara, ci vedevamo in giro… a un certo punto si sono intrecciate le strade in modo così lineare, come per magia, davvero.. non avrei mai immaginato che le cose si sarebbero evolute in questo modo!
Come definite il vostro genere musicale, se lo definite?
Non ci definiamo; se dovessimo definirci, siamo appartenenti alla famiglia rock; è rock il nostro stato d’animo sul palco, e la voglia di fare saltare e divertire con noi il pubblico, ed è questo quello fondamentale.
Abbiamo dei pezzi un po’ diversi, alcuni sono ai confini col grunge, altri un po’ più progressive, ci piace mettere nei pezzi cose che non c’entrano con il pezzo, cose molto progressive musicalmente.
Io invece col testo cerco di tenere le parti unite, se no tutto si scolla!
In che lingua cantate?
Scrivo per lo più in inglese; con loro sono sempre stata abituata a scrivere sul momento, di getto sulla musica e quasi mai cambiare il testo successivamente e l’inglese era quello con cui mi sono trovata meglio. Per scrivere un testo in italiano serve molto più studio, la scelta delle parole è molto più variegata, ed è più complesso, mi ci sto mettendo. Capisco che il mio stile debba ancora evolvere sotto questo aspetto!
Noi le lasciamo carta bianca; ed è così, perché noi abbiamo questa filosofia nel far musica, o, almeno, l’abbiamo avuta fino ad adesso: il pezzo nasce nel momento in cui lo manifesti, lo suoni, lo rendi vivo. Non che uno scrive il pezzo e lo porta agli altri: noi lavoriamo che siamo lì insieme e tutti e quattro lavoriamo insieme con la massima libertà interpretativa espressiva e finché tutti e quattro non siamo d’accordo su cosa si suona non lo si suona. A volte questo è molto difficile perché veniamo da retroscena culturali diversi. Ma lo creiamo insieme, in sala prove, nella massima libertà di ciascuno.
Ecco, a proposito dei vostri retroscena culturali diversi: com’è stata l’origine personale della vostra passione?
A 14 anni, ero in campeggio, mi sono svegliato un giorno e mi sono detto: «Voglio suonare Another one bites the dust, dei Queen». Allora ho deciso che, una volta tornato a casa, avrei iniziato ad andare a lezione di basso. È stata un’esigenza improvvisa – ogni tanto sento l’arrivo di una esigenza nuova per evadere mentalmente.. non mi chiedere perché; ma stavolta è stata questa, anche se fino a quel momento non avevo mai avuto esigenza di suonare in vita mia.
Dopo un anno di indecisione tra suonare batteria e chitarra, ho iniziato a suonare la chitarra, per due anni; però a un certo punto, a 12 anni, ho smesso perché sentivo che non mi dava niente.. ho preso in mano due pezzi di legno e ho iniziato a picchiare cose a caso. Dopodiché ho iniziato ad andare a scuola di musica, è arrivata una batteria e… le prime soddisfazioni.
Inizialmente ascoltavo solamente; i miei genitori non sono musicisti ma nella mia vita la musica c’è sempre stata perché pensavano che arricchisse molto la vita. Da piccola sono stata sempre molto introversa non l’ho quindi mai sperimentata; poi, un giorno, ho visto l’apertura di una nuova sede Cepam e ho provato, più che altro per cercare di aprirmi di più agli altri. Ho iniziato a prendere lezioni quando avevo 10 anni ; avevo appena compiuto 16 anni e ho saputo che un gruppo cercava una cantante. Sto iniziando a suonare pianoforte, mi ci sento a mio agio.. lo sento come se fosse un prolungamento del mio intero corpo non solo braccia, ma piedi e testa.
Io vi racconto la storia mia e della musica: a un certo punto della mia esistenza i miei genitori hanno deciso che saremmo andati molto spesso in vacanza in Trentino e il viaggio in macchina era pesante...e così i miei mi hanno preso il cd dei Nomadi. A un certo punto della mia vita ho avuto un grave lutto, avevo 9 anni, volevo sfogarmi, ribellarmi contro il mondo perché stavo male; allora ho iniziato ad ascoltare la musica che ascoltava mio padre perché eravamo rimasti io e lui in casa. Gli ACDC, ad esempio, volevo suonare come loro; poi Led Zeppelin’… suono da quando avevo 10 anni. Ho esplorato e studiato tante cose, armonia, solfeggio, suonato vari strumenti. Adesso siamo in una situazione per la musica che è così: quella che gira ora per radio è malaticcia, c’è un po’ poco. Tu senti una canzone e dici «Ah, bella!», poi ne ascolti un’altra e vedi che è più bella ed è stata pubblicata 5 anni prima… adesso io ascolto e suono solo la suite 995 di J. S. Bach, per clavicembalo trascritta. Però la musica mi piace da matti; poi scrivere una canzone è stupendo.
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Come nasce un vostro brano?
In sala, iniziamo a improvvisare e se si trova un riff si parte da quello; oppure una melodia che piace e che si propone agli altri e poi si cambia (stravolge!), rimane un ricordo ma poi diventa una canzone. Si trova il ritmo, i primi accordi di chitarra e basso e poi improvvisazione con la voce (un finto inglese) e da lì inizia a scrivere le parole. Nasce per forza insieme il testo.
E comunque dipende; perché ci sono pezzi ai quali devi pensare e pezzi ai quali non devi assolutamente pensare, devi essere in uno stato mentale un cui sei completamente avvolto da quello che risuona. È l’arte che chiama l’artista, sempre. Teniamo anche le luci basse in sala prove, infatti.
Abbiamo una sala prove costruita in una casa vecchia in campagna; l’abbiamo rifatta da zero, pezzo per pezzo, intonaco, vernice, grattare gli scuri … l’anno scorso ci siamo presi 6 mesi per crearla e sistemarla, arredarla, abbiamo investito tanto sudore e fatica e ora questa sala prove ci lega un sacco. Voglio dire, io studio all’università, leggo Nietzsche e fare questi lavori manuali è stato pazzesco, bellissimo, ci ha uniti davvero tanto.
Quando avete capito che il gruppo funzionava?
Che eravate voi…
Per me è stato quando abbiamo provato la prima canzone, il primo giorno. È stato durante la prima prova insieme: ho sentito come un’onda di suoni, ho sentito che era qualcosa che poteva davvero diventare grande e crescere, e ci credo ancora. È stato qualcosa di soprannaturale, davvero.
Durante il primo concerto: abbiamo fatto un pezzo e appena abbiamo finito, è partito un applauso…ma di quelli veri.
Quando porti sul palco un pezzo con loro porti il cuore, cavolo; quando porti una cover, porti una copia.
Sul palco ti arriva quella scarica di vita che in prova non hai.
Ci sono state anche delusioni; concerti vuoti di persone; amici che non sostengono tanto, insomma scarichi per questioni più culturali che altro..il “culo pesante” e l’abitudinarietà; o il fatto che il rock “è da sfigati”.
Cosa pensano del vostro progetto i vostri amici,
i vostri genitori, morosi/e?
I miei genitori sono d’accordo - e hanno adottato tutti loro; mi sostengono in questo progetto perché vedono che mi dà vita, non sarei la stessa se non avessi questo gruppo. Prima sentivo che è come se non avessi avuto il mio posto nel mondo, una direzione precisa. Adesso ho un sogno preciso ed è grazie a loro che ho i piani chiari. Loro accettano quanto sono stramba...
Per quanto ci pesino le nostre debolezze, i nostri limiti...qui li accettiamo e li condividiamo. Capita che ci abbracciamo e piangiamo. (…) Da un lato c’è l’arte che ti chiama e ti dice: “Davide vieni con me!”; dall’altra c’è la mia morosa: “Davide vieni con me!”. E Poi mio padre mi dice: “Davide ma...questa casa non è un albergo”. E ha ragione. E mi dice, “Vai all’università”. Se fosse per me so cosa vorrei fare: chiudermi in una sala prove e stare lì a suonare e comporre. Ma c’è tanto bene e affetto che ci tira fuori da questo e che vogliamo tenere.
A cosa avete rinunciato e a cosa rinuncereste per la
vostra passione?
Molto spesso ho rinunciato a molte uscite con gli amici; e sarei disposto a rinunciare alla maggior parte delle cose che faccio.
Adesso sto già rinunciando a quello a cui posso rinunciare (ore di studio per la scuola, uscite con gli amici), ma non ho molto altro da sacrificare quindi mi rendo conto che per ora è facile dire «Rinuncerei a tutto per la musica». Di sicuro però non voglio arrivare a cinquant’anni e dire «Se avessi investito di più nella musica!». Non voglio avere nessun rimpianto.
Rinuncio a ore di studio; a tanta benzina e tanti risparmi perché suonare costa. Rinuncio a ore di sonno, quello è pesante; forse ancora non posso dirti «Rinunciare alla mia stabilità mentale» perché non lo vorrei.
Rinuncio a trovare lavori fissi perché non so cosa possa succedere con la band; rinuncio a prendere aerei sicuri! Vado a lavorare il sabato mattina a verniciare degli appartamenti per tirare su dei soldi da investire in attrezzatura. Mi pesa il fatto che quel che mi sta portando a fare la vita, cioè chiudersi in quattro mura per imparare a fare qualcosa; (…) quel che mi manca sono i soldi, non l’impegno.
Che obiettivi vi siete dati?
Incidere un album.
Non vediamo l’ora di scrivere! Noi vogliamo scrivere tante cose nuove!
Più andiamo avanti più cresciamo e andiamo avanti.
Àpeiron: perché?
Un giorno, eravamo io e Gian Maria in un pub a Novellara e dovevamo decidere il nome del gruppo; ci chiedevamo: “In italiano o in inglese?
In italiano è da sfigati; andiamo di greco antico”. L’arché di Anassimandro, è un bel concetto se ci pensi; è infinito, indeterminato…
Comunque una volta ci hanno detto anche : “Oh, ma vi chiamate come il drink”!
Momento più emozionante, che vorreste rivivere?
Il primo giorno di prove!
Il primo applauso.
Quando siamo tutti e quattro insieme e parliamo di noi o tra noi o con qualcun altro.
Cos’è la musica per te?
Io scrivo per non far sentire le persone sole. Per me è sempre stato quell’amico che è con te quando sei sola. Voglio essere un supporto per chi non ha supporto nella vita; voglio che sentano quello che canto e che dicano “Anche io mi sento così”.
Suono per me perché ne ho esigenza fisica. Ma se mi esce fuori qualcosa di veramente bello non vedo l’ora di farlo sentire a tutti.
L’arte la fai perché non puoi non farla, secondo me; ma è anche vero che la musica dipende dal pubblico: la musica prima ancora di essere suono è comunicazione.
Il suono è movimento e intenzione; quando suoni lo fai con tutto il corpo, con tutto te stesso e con tutto il cuore. È come quando dici “ti amo”: non puoi dirlo stando fermo, ti prende così tanto che sei tutto te stesso e ti muovi mentre lo dici.
Noi facciamo arte, non politica. Ma se ci chiedono di andare a una festa di estrema destra noi non andiamo, non ci mettiamo la mia faccia.
Città? Colore che vi rappresenta?
Amsterdam, la sera.
Verde – unione di giallo e blu, caldo e freddo.
La canzone che pensate che vi rappresenti meglio?
Dear Liar o Katharsis
Un buon musicista è per forza anche una bella persona?
Per essere un buon musicista, devi avere rispetto per gli altri, sensibilità artistica, volersi bene, bisogna essere buone persone. Almeno rendersi conto che siamo tutti esseri umani su questo mondo. L’arte ti fa diventare una persona migliore. L’arte e l’amore sono le cose più belle del mondo.
Non siamo mai i primi a dire su a qualche altro gruppo.
The Fruit Machine
Alessandro Bonacini voce Enrico Delia basso Jacopo Bertolini e Alberto Delia chitarre Luca Bassi batteria
The fruit Machine nascono a Reggio Emilia nel 2017. Influenzati da generi diversi (principalmente Arctic Monkeys), trovano un assetto stabile a livello di formazione e personalità nel 2019. Orientati verso un punk-rock schietto, The Fruit Machine si sono fatti conoscere attraverso live documentati in pieno stile D.I.Y.. Con brani che speriamo di sentire al più presto in streaming.
Raccontateci le origini del vostro gruppo.
Io ho iniziato a suonare perché ho trovato in casa delle chitarre rotte; le ho portate da un liutaio, perché le aggiustasse, e quando le ho recuperate ho iniziato a suonarle, seguendo un libretto degli accordi. Poi ho continuato con tutorial su internet.
Perché Fruit Machine?
È nato perché io sono un grande fan degli Arctic Monkeys e c’è un loro pezzo, The view from the afternoon (che noi facciamo anche come cover) che secondo me è un po’ l’idea del genere che volevo fare: punk ma con influenze degli ultimi decenni; e nel testo della canzone c’è questo verso che dice “I wanna see you take the jackpot out the fruit machine”. Mi piaceva tantissimo questo verso e questa parola, “fruit machine” (che nel testo vuole essere un riferimento alla slot machine); me lo sono scritto con il nastro isolante sulla chitarra e da allora è rimasto lì.
Voi fate cover o anche canzoni originali?
Recentemente abbiamo sentito una certa stanchezza nel continuare a suonare solo cover, per questo abbiamo iniziato a fare qualcosa di nostro: un giorno, durante le prove, ci siamo accorti che eravamo scarichi e non riuscivamo a suonare... allora abbiamo completamente rimaneggiato un pezzo inglese, e gli stiamo scrivendo un nuovo testo, in italiano.
In Italia si dà tantissimo importanza al testo...
Sì, e questo è un punto che abbiamo spesso affrontato come band: oltre alla nostra appartenenza a una tradizione, quella italiana, che dà molta importanza al testo, dobbiamo tenere presente lo stile british soprattutto come attenzione alla musica. Rivedere lo stile italiano con influenze d’oltremanica è qualcosa di nuovo.
In Italia si fa fatica a sfondare se non curi tanto il testo (anche se, paradossalmente, si è abbassato il livello dei testi!) e la parte musicale si sottovaluta; la bravura nell’eseguire un pezzo è sottovalutata. Senza sminuire altri generi e stili, bisogna curare il testo e portarlo oltre il senso comune e nello stesso tempo tenere alto il livello tecnico musicale.
Avete idea di una direzione da prendere?
Dove indirizzare il nostro suono? Lo stiamo sviluppando, emerge durante il lavoro e con il consolidarsi della formazione e dei suoi componenti. In generale, però, sappiamo che vorremmo trovare la giusta via di mezzo tra intercettare pubblico con gusto affine al nostro facendo cover e, nello stesso tempo, metterci dentro e iniziare a sviluppare qualcosa di nuovo.
Oltre alle prove e ai live, avete l’idea di un disco?
Sì (e direi che è il primo pensiero di ogni band che sia tale!); ci piacerebbe farne uno sperimentale: con pochi pezzi, anche semplici, senza particolari virtuosismi tecnici, ma che spazino nel genere punk-rock, in modo tale da esplorare i vari tipi di suono.
Come vi siete sentiti la prima volta su un palco e non dietro il vetro di una sala prove?
Io ricordo di essere salito sul palco, di avere attaccato il jack… e poi ho solo degli sprazzi di ricordi in cui ne sono successe di ogni! Credo sia stato un misto di ansia e tranquillità di suonare davanti a gente che apprezzava.
La sera prima mi sono ripassato tutte le canzoni, perché avevo paura di dimenticarle… ero abbastanza in ansia!
Io la sera prima penso di aver dormito tre ore… e pensato a tutti i modi in cui poteva andare male!
Nel live, verso la fine, ho fatto un assolo di batteria e, nel momento cruciale, in cui ero più preso, mi è partita la bacchetta! Si è sentito dal pubblico un “Nooooooo”! Me l’hanno ridata, dopo poco.. e visto da qui, a distanza di tempo, è stato un bel momento!
Prima di salire ero molto in ansia... una volta partito stavo bene! Una volta superato lo scoglio, ti piace!
Cos’è per voi la musica?
Fin da piccolo sono stato circondato dalla musica; per me la musica è sempre stata una compagna e una passione. “Sposato con la musica, mai stato single” volendo citare Salmo.
Per me la musica è un’arte superiore, rispetto a tutte le altre forme di arte è la più completa: riesce a trasmettere un numero incredibile di emozioni. Per me è anche una droga: ascolto per ore e ore musica, qualsiasi cosa, ogni giorno devo farla, se no non riesco ad andare avanti.
L’ho sempre vista come una forma di arte che colpisce le emozioni. Ho scoperto i vari generi musicali col tempo, dal pop commerciale (che secondo me è più “usa e getta” come approccio) a quella più complessa e acuta nel colpire certi tasti delle persone, più sfaccettature e finezze. Non che una sia migliore dell’altre, ma questo è l’effetto che fa a me: mi fa concentrare, ad esempio; è uno sfogo e una consolazione quando ne ho bisogno; è legata a ricordi, che a volte è importante rievocare; suonarla poi ti prende anche fisicamente.
Io alla musica ci sono arrivato per gradi. Spesso la lego a ricordi o esperienze passate, un po’ come quando senti un profumo per strada e parte il flashback ed entri nel film. E’ molto soggettiva: lo stile che ho scelto (di suonare ed ascoltare) è quello che per me è più significativo a livello emozionale; ma non significa che un certo stile di musica non sia corretto o sia “sbagliato”, anzi, è per questo che cerco di ascoltare più generi possibili, per vedere che impressioni ti lasciano e si collega sempre al proprio vissuto. Quando poi la suoni, e senti che viene perfetta, c’è quasi un momento di estasi.
Io non ci sono arrivato da amante della musica ma visto che amavo costruire; trovavo oggetti vecchi, rotti ho iniziato a riassemblarli. A 12 anni ho assemblato il mio primo stereo e da quel momento ho iniziato ad ascoltare Pink Floyd, Eagles, ecc…e da lì ho iniziato ad appassionarmi alla musica. Ora ascoltare musica mi fa ricordare quanto erano belli quei momenti di quando avevo 12 anni: stavo davanti allo stereo da quando tornavo a casa da scuola alle sette di sera.. e mi fa male. La riconosco come arte, ma non totale, si completa insieme a tutte le arti, devono essere insieme per essere perfette.
La musica vi ha cambiato?
Se sì, che cosa avete sentito che è cambiato?
A me ha sempre dato l’impressione di arte in generale come modo per lasciare una traccia di sé nel mondo.. ci sono vari modi per dirlo, non so. Non riuscire a condividere almeno un pochino i tuoi pensieri, che molto spesso non sono banali, con chi ti sta attorno è un peccato; sento che è importante cercare di comunicare ad altri quello che hai provato e trasmetterlo.
Io prima mi facevo molto influenzare da quello che c’era attorno (sia nell’ascoltare, che nel vestirmi, nel pensiero); ascoltare e fare un certo tipo di musica, ti fa riflettere sul fatto che tu sei fatto in un certo modo rispetto agli altri, che non devi per forza uniformarti, come fai la tua musica è parte di te, ti fa pensare con la tua testa. Mi ha permesso di elaborare quello che sono adesso, un consolidamento identitario e non lo smarrimento.
Grazie alla musica io conosco loro; può sembrare banale ma è vero. Ti fa conoscere persone, fare esperienza. Oltretutto, la batteria è quella che sento più mia; batto le mani e i piedi anche quando parlo e sento che mi emoziona tanto.
Fare parte di una band mi ha reso ancora più legato alla musica. Grazie alla band posso espormi e stare davanti al pubblico e questo era un mio sogno nel cassetto.
La musica ha avuto un grande impatto sulla mia vita ma credo che valga per tutti: dà qualcosa alle persone. Mi viene in mente quando ero impanicato durante le verifiche, mi veniva in mente e mi rilassava, e me ne ha risolte davvero tante. Danno qualcosa al nostro cervello che nient’altro può dare.
Ha la capacità di attivare più parti cerebrali contemporaneamente: cognitiva, motoria, sistema limbico…è davvero forte.
A cosa pensate che potreste rinunciare per la musica? Che prospettive avete tra 5 anni?
Spero saremo ancora noi, avremo il nostro seguito di fan e il nostro disco; mi piacerebbe molto rinunciare a una vita “normale”! Rinunciare alla vita di ufficio e suonare come musicista professionista.
La penso come lui; in più, aggiungerei che rinuncerei a un altro sport a cui sono molto legato e a qualche ora di lavoro da libero professionista.
Io ho già rinunciato a uno sport importante per un corso di chitarra. E tra qualche anno? Non lo so, non ho ancora deciso.
Penso che potremo essere una band solida, con un buon lavoro da proporre. Sto già mettendo da parte delle altre passioni per questa! Anche se due anni fa non l’avrei mai detto.
Vorrei fare una vita legata alla musica e che mi piaccia e in cui guadagno meno, piuttosto che farne una con un guadagno economico più alto ma meno di soddisfazione.
Se vi dico “musica”, qual è la prima parola, emozione, colore, suono che vi viene in mente?
Comfortably numb dei Pink Floyd. E in particolare, Gilmour che la suona, concentratissimo, sullo sfondo nero, in estasi.
Star bene!
Il motivetto di Paradise city dei Guns 'N' Roses.
La sensazione di un ricordo d’infanzia che torna alla mente.
Una chitarra che aveva un amico di mio padre e che suonava a casa nostra; e il video di Welcome to the machine, in cui c’è un robot gigante che dice: “Vieni figliolo, benvenuto nella macchina!”, e che lo ammazza: la macchina intesa come il sistema, le case discografiche, e gli altri sono quelli che si ribellano.
A me si collega sempre a un tramonto, a situazioni luminose. Alla fine di qualcosa o l’inizio di altro…una transizione.
La tecnica non c’entra, noi ci occupiamo di emozioni.
Daniele Manzini
Tecnico del suono e musicista
Daniele Manzini, ventiquattro anni, musicista e tecnico di riferimento dello Studio di Registrazione e Sala prove Seltz. Non solo il classico ingegnere del suono ma anche uno spirito musicista.
Tu qui sei il fonico del Seltz; raccontaci qualcosa della tua storia e di come sei arrivato alla musica.
Alle superiori non ero uno studente modello...a me piaceva tanto la chimica, ma il resto non andava per nulla. Dopo le superiori non sapevo bene cosa fare, finché non ho scoperto il SAE Institute di Milano, dove ho studiato Electronic and Music Production, sostanzialmente un approccio digitale alla musica. Questo è stato il punto zero; questa scuola mi ha dato un sacco di nozioni e mi ha permesso di apprendere il linguaggio di questo mondo, le basi; ma appena uscito non sarei stato in grado di essere competente. Per fortuna la passione è rimasta e ho iniziato a fare un sacco di esperienza da solo, tante prove con i miei amici e con me stesso, mi sono cimentato in situazioni reali, anche gratuitamente. Poi, quando mi sentivo pronto, mi proponevo come professionista.
È stato un percorso a strati: il primo strato è stato quello di imparare la teoria e uscire da scuola; poi, il secondo strato, iniziare a provare a metterle in pratica queste competenze, anche sbagliando, magari; infine, il terzo, per me è stato porsi delle domande quando devi risolvere dei problemi, e quindi trovare delle risposte e acquisire altre competenze.
Mi era chiaro, volevo stare in quel mondo; è possibile che io spesso sia approssimativo, ma quando una cosa mi interessa non lo sono per nulla: finché non trovavo una risposta non ero contento, era una continua ricerca, e per me era necessario.
È stata una necessità e anche un voler unire la mia passione per la musica all’esigenza di lavorare.
Ti sei sentito diverso a un certo punto? Qualcosa è cambiato?
Sì, mi sono sentito progressivamente più sicuro e questo mi ha cambiato la vita, davvero. E cioè quando ho capito di avere un buon orecchio, una buona empatia, competenze tecniche e voglia di fare.
Questa è la tua unica attività per adesso?
Sì, per ora sì e pian piano perché è anche un mondo che va a fiducia: i gruppi oggi hanno bisogno di percepire professionalità e fidarsi del tecnico che ascolta i tuoi progetti e ti aiuta a realizzarlo.
Poi a volte capita che mi chiedano lezioni di una cosa o un’altra, ad esempio di insegnare come insonorizzare una stanza.
Tu come vivi la musica?
Cos’è la musica per te?
Non saprei neanche dirlo; è così automatica e necessaria per il mio benessere da non avere quasi uno scopo preciso… Quando ho un buco di tempo, o anche adesso mentre parlo con te, io suono. La paragono anche un po’ allo sport: devi concentrarti, allenare i riflessi, essere pronto. E dopo ti senti rilassato e tonificato.
Quando ascoltavo i grandi della musica rock a tredici anni, mi piacevano tantissimo ed erano dei miti però mi dicevo: «Questa canzone è perfetta, ma….»; c’era sempre qualcosa che avrei voluto fosse diverso. Allora, mi ero detto, voglio imparare a suonare la chitarra, intanto per suonare le canzoni che mi piacciono e poi per scrivere canzoni come quelle che mi piacciono ma senza quegli errori che a me sembrava ci fossero. Io volevo scrivere la canzone perfetta, come se ce l’avessi avuta sempre sulla punta della lingua.. dovevo farlo.
Imparavo gli accordi, cercavo su internet le tablature delle canzoni ma spesso tiravo giù le canzoni a orecchio o mi scrivevo da solo le canzoni difficilissime per potermi allenare.
Ho studiato teoria musicale ma senza aver studiato, ci sono arrivato da un’altra parte, cercando e facendo ogni singola combinazione; il che è una cosa che mi piace molto perché il rischio di aver studiato e basta è l’andare sempre lì a parare, su quel che funziona; lo studio della musica fino a un certo punto va benissimo ma non bisogna andare troppo oltre o ti mette i bastoni tra le ruote perché ti limita nel cercare qualcosa di tuo e di davvero emozionale e originale.
A che punto sei con la canzone perfetta?
Poi ho capito che la canzone perfetta non esiste.. ma è sempre così per me: parto da un foglio bianco nella mia testa, vado a caso, vado per tentativi e procedo verso la ricerca dello stupore, cioè qualcosa che mi faccia dire: “UAU!”. Una volta che l’ho trovato allora so che posso costruire qualcosa a partire da quello e ci metto testa e tecnica. Io ho sempre iniziato così però: metto le dita a caso e vedo cosa succede; una volta che ho trovato qualcosa che davvero mi piace, costruisco sopra a quello.
Hai canzoni tue?
Sì, io e un mio amico abbiamo un progetto musicale in corso. Di canzoni ne ho scritte un’enormità; le scrivo, dico “uau!” poi, dopo un po’ non mi piacciono più o le lascio a metà. Cose del genere.
Cosa pensi della musica di oggi, che incontri nel tuo lavoro?
Intanto, non capisco chi vuole imparare uno strumento e non lo prende in mano. L’apprendimento dello strumento musicale avviene anche tramite la sua fisicità, il prenderlo e usarlo, esplorarlo, impararlo senza usare la teoria ma leggere la teoria dopo aver già capito il funzionamento pratico.
Oggi c’è questa immagine del grande musicista e del grande successo “che ce la fa”, ma credo sia un grande stereotipo. Poi oggi c’è il grande fenomeno della trap per esempio, lì la sfida non è creare qualcosa di ricco e articolato ma di semplice ed efficace.
Il talento e l’attitudine resta il fulcro della questione, secondo me, e quello che fa andare avanti la tua strada. Qualsiasi genere musicale tu faccia, se hai talento metti insieme gli elementi e i suoni in un modo tale che il prodotto a cui arrivi è un altro mondo.
Fin dove la formazione può o deve spingersi e dove bisogna mollare le carte e fare?
Cosa consiglieresti a dei giovani appassionati?
Cominciare qualcosa di nuovo da zero nella musica è terribilmente frustrante, anche la chitarra sembra una cosa semplice ma non è così banale mettere delle dita su delle corde, è controintuitivo; è importante prendere lezioni e gli elementi di base, ma a un certo punto deve smettere perché se no farai fatica a uscire da quel che ti è familiare e che conosci già.
Le Lische
Manuel Benati voce e chitarra Jacopo Panisi voce Liam Artoni tastiere Ivan Bussei batteria
Federico Bartoli basso Lorenzo Valla tromba Pietro Palmieri saxofono
Le Lische sono un gruppo di giovani ragazzi di Reggio Emilia che suonano brani graffiti-pop, mischiati al rap e al pop. Con formazione ampia, tra voci, chitarra, basso, tastiere e fiati, scrivono pezzi inediti scritti interamente da loro.
Ragazzi, come avete iniziato a suonare?
Io ho ereditato da mio padre la tradizione musicale e ho iniziato con 7 anni di lezioni di chitarra; però, è da quando ho smesso di andare a lezione ho iniziato a suonare! Tutti i giorni.
Mio padre è sempre stato molto appassionato di musica e mi ha sempre spronato a suonare, ma non ho mai iniziato a suonare fino alla prima media, quando ho incontrato il mio professore di musica e mi ha trasmesso la passione, nonostante il flauto dolce!
Anche mio padre ha sempre suonato il basso, fin da giovanissimo; sono cresciuto ascoltando la musica che ascoltava lui e ho iniziato a suonare il basso soprattutto per emulare lui, anche se preferivo cantare (da piccolo cantavo sempre a squarciagola!). Poi, alle medie, ho conosciuto un mio amico che mi ha fatto ascoltare nuovi generi musicali e da lì ho iniziato ad ascoltare e cercare gruppi e pezzi che piacessero a me.
Da “suoniamo per noi” a “qualcuno ci ascolta”: raccontateci del vostro primo concerto!
Era l’estate 2016, l’estate della prima superiore, a Correggio. Non si poteva andare tutti insieme, quindi eravamo solo noi due, Jacopo (voce) e Manuel (chitarra); abbiamo fatto cover (Cat Stevens, Beatles…) e un pezzo nostro. Tensione e tanta emozione, aspettative per gli amici presenti; avevo già cantato in pubblico, ai saggi di fine anno di corso, ma questo era un concerto tutto nostro… ero tesissimo. Il primo pezzo è quello più difficile, poi parti.. e quando applaude il pubblico è tutto più semplice. E soprattutto quella volta hanno applaudito durante la canzone (e non l’applauso obbligato alla fine – quello dà quasi fastidio. Il pubblico oggi applaude perché è finito il pezzo; questo fa arrabbiare…lo riconosci quando lo fa perché deve farlo e quando invece è davvero entusiasta e applaude a metà pezzo!).
Io non ho neanche guardato giù perché se no avrei visto che tutti mi stavano guardando! Cercavo sostegno dagli altri che avevano già suonato visto che per me era la prima volta.
Quando si è in tanti l’emozione è doppia, senti la carica e la tensione degli altri, la responsabilità di non dover sbagliare se no fai andare fuori anche loro. Ci si guarda, adesso, con più tranquillità.
E dopo, finito di suonare?
Abbiamo cercato il secondo concerto!
Perché avete cambiato il nome da Black Taste a Le Lische?
Come gruppo, abbiamo fatto un passaggio da cover americane e inglesi a cover e pezzi quasi esclusivamente in italiano (questo è dipeso dagli ascolti personali dei membri del gruppo che vanno verso l’indie pop - Willy il Peyote, Lo stato Sociale, Frah Quintale, che sono un po’ i nostri riferimenti). Abbiamo deciso quindi di trovare un nome italiano. Trovarlo è stato difficilissimo, ne abbiamo pensati tanti… fino a quando un amore di allora ci ha suggerito il nome, che è piaciuto a tutti perché lo sentivamo adatto al nostro genere e al nostro stile (rap, funk, ci hanno classificato come graffiti pop, indie..). Le Lische nascono a settembre 2018.
Pensate che questa sia la vostra formazione definitiva?
No, non necessariamente; così come faccio fatica a rispondere quando ci chiedono a che genere apparteniamo allo stesso modo penso che per come siamo fatti tutto possa cambiare. Siamo aperti e in continua dinamica, sia come generi musicali di riferimento che come formazione: noi suoniamo un po’ di tutto e la cosa più bella è che si mescolino tante sonorità diverse. Amiamo improvvisare e non ci interessa fare un genere specifico in particolare. Noi scriviamo musica; se ci piace, bene, quello è quel che conta.
Come avviene la genesi dei pezzi?
Solitamente è un processo che avviene in solitaria, ognuno coi suoi tempi (e io personalmente durante la creazione di un pezzo penso tantissimo a quali sono le sonorità che mancano nel repertorio.. è un «Vorrei un pezzo che suoni così...»). Dopodiché lo portiamo in sala prove, certo, e lo condividiamo con gli altri ma è raro che la creazione di un pezzo nuovo avvenga mentre si suona tutti insieme. Al momento siamo in due a scrivere; cerchiamo però di spronare anche gli altri a farlo.
Poi quando un pezzo funziona bene lo sentiamo subito, provandolo. Difficilmente stiamo lì a provarlo finché non diventa esattamente come volevamo!
L’ispirazione arriva; si va a momenti e lo senti quando è il momento giusto: sento un pieno e ho esigenza di buttare fuori. Spesso accade quando ho dei pensieri in testa e ho bisogno di metterli giù. Riuscirei a scrivere su commissione ma probabilmente non sarebbe pienamente soddisfacente.
A volte un pezzo nasce da poca emozione e molta tecnica; altre volte invece è tutta emozione, senti male dentro e hai bisogno di buttarla giù.
È difficile creare: la parola giusta che non sembra esserci mai; di solito scrivo di getto e non ci ritorno quasi mai sopra...questo è forse un difetto, ma quando lo faccio sono convinto di quello che scrivo.
Dopo aver scritto un testo lo tengo nel cassetto per qualche tempo; se quando la rileggo mi piace ancora, allora la propongo agli altri, se invece mi fa già schifo lo cestino!
Quali sono le tematiche che amate trattare?
Un tema che ci sta a cuore è sicuramente l’amore, di mia esperienza e non.
Il tempo che passa!
La protesta sociale (abbiamo fatto solo un pezzo per il momento, che si chiama Ateamente atei).
Prospettive?
Abbiamo in programma di fare un EP; abbiamo in tasca, anche se non ancora ultimate o ultimate, tra i 20 e 30 pezzi. I miei genitori mi supportano in questa nostro progetto, non mi pressano e io non mi sento condizionato da loro, è una cosa mia. Però soprattutto mia mamma non vuole che io trascuri la scuola.
Scelte di vita: musica come passione ma anche come professione; cosa ne pensate?
La musica col gruppo è un rischio, decidere di investire tutto su quello è un rischio. Ma personalmente è la strada che voglio perseguire. Scelte e sacrifici fatti fino ad ora ci sono, anche nel mio piccolo. La musica è davanti a praticamente tutto.
Sì, metto la musica davanti a tutto.
Ho già rinunciato a uno sport per suonare; avere una vita privata e suonare è già tanto, bisogna scegliere.
Che rapporto avete con i social?
Quando suoniamo non facciamo dirette social; ci teniamo a comunicare quello che facciamo ma ci vogliamo sentire completamente lì, non postiamo tutto sui social. Capita che ci filmiamo durante i concerti ma lo facciamo più che altro per noi, per poterci riascoltare.
Come vivete le critiche (dal pubblico o da altri gruppi)?
Le critiche servono; anche se danno fastidio. Bisogna distinguere le critiche fatte per via della differenza di genere musicale (che se non ti piace, non ti piace!) e quelle riguardanti l’esecuzione tecnica. In generale il nostro rapporto con le altre band è aperto.
È importante comunque che siano costruttive, che ti dicano perché.
Quanto è importante avere un leader nel gruppo?
Non tanto, in realtà. C’è, ma è più dal punto di vista organizzativo (contatti, formalità…). Non c’è competizione e siamo amici.
Se foste una città che città sareste?
Roma: città calorosa, festiva, gialla.
Che stagione sareste?
Estate: amiamo stare rilassati e allegri.
Colore?
Rosso – come il calore di quando sei vivo.
Un solo aggettivo che vi descriva?
Diretti.
Se foste una canzone non vostra?
Ride dei Twenty One Pilots.
Sons of Other Suns
Gerardo Gianolio tromba Isabel Suárez sax Giovanni Pignedoli clarinetto Daniel Nardi trombone
Lucia Boiardi contrabbasso Giovanni Caffagni tastiere Marco Lazzaretti batteria Sofia González voce
Rock/Progressive e Pop band straight outta Reggio Emilia.
Siete tanti! Come mai siete arrivati a 9?
Siamo una band di strumenti classici che però vuole andare sul pop-rock, quindi fare altri generi, diversi dalla musica classica. Non abbiamo una sezione ritmica con strumenti polifonici come la chitarra.
L’inizio di tutto è stato nel 2014, a fine estate; con l’inizio del conservatorio a ottobre è iniziata la stabilità delle prove e l’inizio della costruzione concreta del progetto. Sono entrate e uscite persone, ci sono stati tanti cambiamenti.
Quella attuale (iniziata nel 2017) è la formazione definitiva, anche se cambia sempre qualcosa... ad esempio il pianista fisso è entrato da una settimana!
Create canzoni?
Creiamo gli arrangiamenti dei nostri pezzi però facciamo per la maggior parte cover; prendiamo dei pezzi che ci piacciono e li trasformiamo nel nostro stile: cose che ci piacciono ma che sappiamo anche che funzionano. Alcuni pezzi invece li scriviamo da zero noi.
Come mai vi siete iscritti al Peri?
Tramite suggerimento di amici dei miei.
I miei genitori sono appassionati di musica e in particolare mia mamma è laureata in piano.
Io non ho parenti legati alla musica; mi sono appassionato inizialmente per via di un professore delle medie che mi aveva ispirato.
I miei sono molto appassionati di musica ma non di classica e non hanno mai suonato; mi sono iscritta perché da piccola alcune mie amiche avevano deciso di iscriversi e io ho provato.
Siete stati folgorati subito o all’inizio era solo un’attività come le altre, magari perché spinti dai genitori?
Nel mio caso ci è voluto un po’..non sono mai stato forzato davvero ma all’inizio era più che altro inerzia; a un certo punto invece mi sono proprio svegliato io, ho capito di essermi appassionato molto. Adesso sono i miei genitori a tirare indietro!
Soprattutto da quando è nato il gruppo e la possibilità di fare qualcosa di diverso è nata davvero la voglia di fare musica.
L’ho capito quasi subito; io facevo sport legati alla musica (tipo pattinaggio) e quando mi sono trovata a fare solamente musica ho capito che quella era la parte di quegli sport che mi interessava davvero!
Cos’è la musica per voi?
Un modo per esprimerci, un modo di parlare di noi stessi con noi stessi.
Per me è una compagna, un amico che all’inizio fai fatica a conoscere e devi capire meglio come funziona; poi diventa come uno di quegli amici importanti che che poi non lasci più.
Per me significa poter ampliare le mie emozioni in un determinato momento, o rilassarmi; o godere del piacere che mi provoca, come un’estasi.
Per me è sentirsi parte di qualcosa di grande quando la vivo nella dimensione d’insieme, siamo tutti lì per fare la stessa cosa e sento che viviamo le stesse emozioni.
Credo che sia anche un mezzo che aiuta a capire tantissime cose; ad esempio il rispetto, l’ascolto degli altri, lo stare insieme; studiare musica da bambini dà qualcosa in più, ha una dimensione educativa e di conoscenza del mondo che ti fornisce un ulteriore punto di vista.
Potreste fare a meno della musica ora?
Non potrei più fare a meno della musica, del suonare intendo; ascoltare è scontato. È la più grande dipendenza della mia vita.
Se vai a sentire un concerto e quando torni a casa ti viene voglia di suonare non puoi non farlo.
È importante conoscere tutto; per decidere cosa è meglio per te bisogna conoscere, poi puoi scegliere cosa ti piace e cosa non. Anche per capire in che mondo vivi. E comunque i generi musicali cambiano durante le varie fasi della vita. Ad esempio dai Metallica si passa alla musica classica!
Un mio amico un giorno mi ha detto: «Dimmi il nome di alcuni compositori che ti piacciono così inizio ad ascoltarli anche io». Per me è stato bello, perché, anche se lui non sapeva nulla di musica classica, ha capito che conoscere tutto il panorama musicale è importante non solo noi che siamo nell’ambito.
Iniziate a sentire che preferite la dimensione di gruppo piuttosto che quella scolastica pura? C’è conflitto tra le due realtà?
Dipende molto dai professori, anche perché non è come un puro rapporto scolastico.
Secondo me ci devono essere entrambe, sia la vita del gruppo che la parte scolastica.
Le vostre aspettative?
Stiamo crescendo; non sappiamo dove vogliamo o possiamo arrivare; sappiamo che troveremo il modo per stare insieme e, anzi, far aumentare il nostro impegno.
Come siete riusciti a conciliare vita privata, amori, amici, interessi e hobbies altri e la musica?
I miei amici di solito vengono a vederci, mi supportano.
Grandi rinunce per ora non ne ho fatte; c’è sempre stato abbastanza accordo.
Si sopravvive a scuola e si studia musica!
Io sono molto centrata anche sullo studio scolastico; punto a fare bene entrambe le cose. Mi rendo conto che magari non ho tanto spazio per la mia vita, come ad esempio sviluppare altri amici e interessi oltre la scuola, ma non ne sento neanche il bisogno perché questo è quello che voglio fare e che mi piace fare.
Anzi, è stato potenziante fare entrambe le cose contemporaneamente!
Fate gruppo anche fuori dalle prove e dalla dinamica di gruppo?
Si, è capitato, soprattutto all’inizio.
Avete in previsione un disco?
Stiamo registrando da molto tempo in uno studio.
Fate cover, ma non solo; come nasce un pezzo vostro, visto che siete così tanti?
Nasce da un lavoro collettivo; chi lo compone, compone in base alla sua ispirazione, all’idea che ha, ma poi viene rielaborato collettivamente, la sua struttura, il modo in cui renderlo. Molte cose poi nascono nell’improvvisazione; e soprattutto, continuiamo a cambiare i pezzi, anche quelli che abbiamo fatto da anni; anche in base al riscontro del pubblico.
Pensate che quello che farete nella vita si concilierà con la musica e lei sarà sempre al primo posto o no?
Questo dobbiamo scoprirlo; già dal prossimo anno con l’università (molti di noi fanno la maturità quest’anno) cambieranno delle dinamiche, ognuno prenderà le sue strade più o meno “comode” al gruppo. Conciliare tutto con la musica sì, conciliare col gruppo è una cosa diversa; il gruppo per noi è una parte, e non il frutto, della nostra vita musicale. La musica invece è sopra a tutto.
Io voglio fare il musicista; sono bravo a fare solo quello.
A me piacerebbe essere prima ingegnere poi musicista; quella per me è la priorità assoluta, ma vorrei comunque conciliare tutto.
Luciano Bosi
Percussionista, organologo, etnomusicologo e didatta
Classe ‘58, è percussionista, etnomusicologo e didatta; racconta il mondo
e le sue ricchezze culturali attraverso gli strumenti a percussione, grazie
al progetto Quale percussione? da lui stesso ideato.
Dal 1981 conduce corsi e laboratori in Italia e all’estero
Cos'è per te la musica?
Per me la musica rappresenta soprattutto l’incontro tra culture diverse.
La musica esiste perché si incontrano e organizzano dei suoni. Io infatti, al posto della parola “musica”, utilizzo preferibilmente “suoni e silenzi organizzati”.
Se riusciamo a concepire la musica secondo questo concetto possono essere superati tutti i differenti codici culturali, che presi singolarmente rischiano di ingabbiare un concetto in realtà davvero aperto.
La musica non è un linguaggio universale, se così fosse, per esempio, potrei sedermi tra i componenti di un’orchestra balinese e sarei in grado di suonare immediatamente con gli altri, essendo io stesso un musicista.
Invece, nonostante io sia certamente capace di seguire il ritmo, non posso pensare di suonare in una “lingua” diversa, nel senso di dialogare con gli altri musicisti rispettando la loro modalità culturale di organizzare suoni e silenzi senza prima averli approfonditi.
Aggiungerei un’ulteriore riflessione. Noi occidentali usiamo la parola musica per descrivere un’azione specifica. Ci sono invece altre culture (per esempio in Africa, ma non solo) nelle quali il concetto che noi utilizziamo per concepire la musica comprende anche la parola e la danza, oltre al suono. Questo concetto viene quindi espresso utilizzando una parola che comprende insieme parola, danze e suono, senza distinzioni. Questa parola da noi non esiste.
Quindi capisci che la tua domanda richiederebbe una risposta ben più ampia.
Com'è entrata nella tua vita?
Poco alla volta. Il mio contesto familiare di origine era poco abbiente.
Ascoltavamo quello che trasmettevano alla radio e alla la tv, quest’ultima tra l’altro arrivata a casa mia solo quando avevo circa 8 anni. Perciò, da bambino, mi trovavo a tifare per Gianni Morandi in antitesi a Claudio Villa. Per passare poi a Battisti, i Pooh, la Formula Tre; a quattordici anni alternavo l’ascolto del Rock progressivo italiano a bands inglesi come The Who, i Led Zeppelin, ed altri.
I primi dischi sono riuscito a comprarli più tardi, con i soldi che avevo messo da parte.
Insomma, la musica, fino alla prima adolescenza, è sempre stata presente nella mia vita, ma marginale. Ricordo ancora i compiti con il mangiadischi in funzione permanente.
Alla scuola elementare non mi facevano cantare nel coro, perché ero (e sono tutt’ora) stonato, però mi facevano tenere il tempo con il triangolo o i legnetti, perché già allora il senso del ritmo mi apparteneva.
Quanto alle percussioni etniche, ricordo di aver visto qualche film con gli indiani pellerossa suonavano i loro tamburi. Peraltro nella cinematografia dell’epoca gli indiani suonavano i tamburi con le mani, mentre poi, studiando, mi sono accorto della superficialità con cui venivano trattate le altre culture: gli indiani d’america suonano i tamburi con dei battenti! In ogni caso mi avevano affascinato, tanto che in prima media mi sono costruito il mio primo tamburo usando una botte per l’aceto di mia nonna a cui avevo smontato la parte superiore di legno, per montarvi una pelle fatta con una tovaglia cerata. Il tamburo era diventato un oggetto rituale della mia società segreta, chiamata “Il triangolo stellato”, della quale naturalmente ero il capo.
A quattordici anni, per motivi familiari, ho dovuto interrompere la scuola. E’ una cosa che mi ha pesato davvero molto, perché studiare mi piaceva. In cambio però ho ottenuto da mia madre il via libera a suonare la batteria.
All’epoca compravo la rivista “Ciao2001”, che oltre alla sezione dedicata agli artisti del momento, proponeva anche notizie su artisti e festival alternativi. Ho così iniziato ad allargare i miei orizzonti musicali.
Va anche detto che all’epoca le feste dell’unità proponevano degli spettacoli musicali davvero unici, che aprivano la mente. Era infatti possibile assistere, per esempio, ad uno spettacolo di una compagnia di Tahiti proprio accanto alla zona del gnocco fritto e dei tortelloni! Ed era tutto gratuito! Oggi uno spettacolo del genere lo pagheremmo oro, e quindi probabilmente i fruitori non potrebbero che essere selezionati in partenza sulla base delle disponibilità economiche. Naturalmente in quegli anni ho anche partecipato all’Umbria Jazz, e ho potuto vedere all’opera dei gruppi fantastici.
Sono stato molto fortunato a crescere in un contesto culturale ricco e dinamico come quello che ha caratterizzato il nostro territorio negli anni ’70 e ’80 (e in parte anche in seguito), ed è davvero un peccato che le cose adesso siano così cambiate.
A 17 anni la passione per le percussioni e le musiche tradizionali era ormai conclamata.
In quegli anni ho cominciato a definire meglio quella che sarebbe stata la mia vita. Ho deciso quindi di cercare un nuovo lavoro, che corrispondesse meglio alle mie inclinazioni ed interessi.
Allora ho scelto di fare il giardiniere, che è un mestiere bellissimo.
Oltretutto, dal punto di vista filosofico, ti riporta da un lato alla concretezza delle cose vere, così come sono, e dall’altro di aiuta a sviluppare il pensiero creativo nell’immaginare come la tua opera potrà svilupparsi e prendere forma con il passare del tempo. Mi ha insegnato in pratica la pazienza, la costanza, e la consapevolezza che per ottenere dei risultati occorre saper aspettare, e superare l’idea del “tutto e subito”.
Dopo il servizio militare, nel ’79, ho cominciato a raccogliere i frutti del mio lavoro di ricerca personale. Ho iniziato a suonare stabilmente con un gruppo jazz, ho cominciato a prendere lezioni di batteria, e soprattutto ho concepito il progetto Quale Percussione? , sviluppando la mia intuizione che si potesse raccontare il mondo e la storia dei popoli e delle culture attraverso gli strumenti a percussione.
Nell’aprile del 1981, a Castelvetro di Modena, ho tenuto la prima mostra itinerante di percussioni al mondo! Ora lo posso proprio dire, anche se all’epoca non ero consapevole di essere stato il primo. Una delle peculiarità delle mie esposizioni è sempre stata, già da allora, l’interattività. Tutti gli strumenti musicali esposti vengono suonati, nulla è chiuso in una teca.
Il segreto è che gli strumenti vanno tenuti vivi!
Ho iniziato a lavorare nelle scuole elementari e negli asili già dal 1982, con laboratori per la costruzione di strumenti a percussione utilizzando materiali di recupero. A quell’epoca era una proposta ancora poco diffusa, soprattutto con il mio taglio antropologico ed etnografico, ma c’era già una certa sensibilità al tema da parte degli insegnanti e dei genitori. Anche questo è frutto del contesto culturale generativo delle nostre zone.
Insomma, le percussioni erano diventate ormai lo sfondo costante della mia vita, lavorativa e non. Lo stesso vale per lo studio dell’antropologia e dell’etnografia, che ho portato avanti da autodidatta, strettamente correlate all’organologia (l’ambito di ricerca che si occupa della storia e dello sviluppo degli strumenti musicali).
Hai realizzato dei dischi o qualcosa di tuo?
Sì, ho fatto alcuni dischi, oltre a documenti audiovisivi con contenuto musicale, etnografico e pedagogico.
Ho scritto diversi libri, che spaziano da contenuti musicali ed etnografici a contenuti didattici.
Negli anni ho anche inciso diverse mie composizioni. Tra queste produzioni, nel 2008, ho inciso un disco completamente in acustico suonando le pietre sonore di Pinuccio Sciola, di cui vado particolarmente fiero.
Quali rinunce hai fatto per la musica?
Io penso di essere un uomo fortunato, che può vivere di un sogno. Da bambino, pensando a quello che avrei fatto da grande, mi figuravo tre possibilità: il musicista, l’antropologo, e il giardiniere. Musicista lo sono, giardiniere lo sono stato, e per quanto riguarda l’antropologia, ritengo di avere acquisito sufficienti strumenti per poter rappresentare e far conoscere tutte le culture del mondo, e le loro storie, attraverso gli strumenti a percussione.
Cosa pensi delle nuove generazioni di musicisti e quali consigli daresti a chi oggi decide di iniziare a fare musica?
Penso che siano bravissimi: riescono a fare delle cose dal punto di vista tecnico che sono mostruose. Il problema vero è che suonano tutti uguali, nello stesso modo!
Oggi avremmo bisogno di qualcosa di nuovo, uno stile nuovo. Abbiamo bisogno che i giovani musicisti esprimano la loro personale visione, qualcosa di davvero originale e unico. Le composizioni partono sì dalla testa, ma devono poi scendere fino alle mani, alla pancia, al cuore! La gente ha bisogno di fare (e ascoltare) cose vere. E forse i giovani oggi hanno troppa paura di mettersi in gioco davvero, e mostrare cosa hanno dentro.
E un’altra cosa, ragazzi: leggete, leggete, leggete! Io da giovane facevo fatica a trovare dei materiali interessanti, invece adesso su internet si trova di tutto. Ma attenzione: anche le informazioni che si trovano su internet (anche quando sono corrette, e spesso non lo sono) sono superficiali. La rete è uno strumento utilissimo per trovare spunti per successivi approfondimenti, ma non può sostituire lo studio di testi specifici! E solo lo studio ci permette di acquisire davvero nuove competenze, di interiorizzarle davvero, così da poterle rielaborare secondo il nostro personalissimo sentire.
Il Ritmo della Terra è la lezione-concerto che Luciano Bosi porta in giro da più di trent'anni, rinnovandola ogni volta con nuovi strumenti, conoscenze e aneddoti.
Un viaggio che, principalmente attraverso gli strumenti a percussione, mostra quanto le civiltà siano accomunate da suoni, rumori e silenzi e che "quell'atavico pulsare è già parte di noi, sopito nel profondo, solo in attesa di essere richiamato in vita".
Dopo la recente edizione a SD Factory e per la prima volta in live streaming, abbiamo chiesto all'etnomusicologo un resoconto di questa esperienza, le sue possibili evoluzioni e i futuri progetti musicali.